territoires accidentés, reliefs et cratères ridant la surface vierge d’un paysage, mélanie vincent travaille l’espace et sa représentation à travers ses plis, ses sinuosités.
lorsque la ligne droite se tord pour en-tailler l’horizon, le sujet se dresse pour faire obstacle au regard, créant des moments de perceptions troublées où l’œil se trouve face à une forme fuyante, un trou dans la vision qui vient retranscrire la persistance d’un invisible.

les images que l’artiste sculpte, dessine, grave ou photographie, construisent une orographie fantasmatique, méticuleusement creusée, où l’organique se confond avec le feint.

ces images métaphoriques de montagnes ou de cratères sont des formes affectées, alimentées par de nombreuse lectures de romans et récits de voyages, de souvenirs d’enfances, formes obsessionnelles, tourmentées par « l’appel vertigineux de la profondeur », par ce « trou originaire » à l’intérieur duquel le regard pourrait s’abîmer pour peut être disparaître.

clara guislain

7 cm / 2-3/4 inches

porcelain fur real #2 - SMALL
25×15 cm / 9,8×6 inches

le travail de bettie nin a la force du constat : celui du réel, celui de l’artiste en tant que témoin et percepteur. la notion de frontière (limite, passage, flux), élément central de sa recherche, est envisagée sous un angle politique, social et culturel, autant qu’humain identitaire et personnel. son évocation se posant comme le premier acte d’une remise en question.

au-delà de la critique sociale, bettie nin élabore une grammaire précise fondée sur la symbolique des objets, formes et matériaux, utilisant leur charge en vue d’une réécriture du monde réel. empruntant parfois les codes de la sculpture commémorative ou ceux du support incantatoire tribal, l’assemblage précis d’ éléments connotés rend compte d’ une mystique personnelle mise à disposition de l’universel.

l’œuvre de bettie nin marque toujours un point d’arrêt, une suspension à la réalité,
nous laissant envisager la possibilité d’une autre voie, d’un passage ou d’un ailleurs.
sans donnée précise relative au contexte, l’artiste propose, souhaite, imagine et, finalement
accompagne l’acte de résistance, soutient le principe même de révolution.

sa démarche et son implication personnelle, parfois même physique au cours de performances,
sont empreintes d’une écoute sensible du monde et d’un romantisme contemporain.

bettie nin vit et travaille à paris.

le travail de ludivine sibelle prend racine dans l’univers cinématographique plus que dans l’histoire de la photographie. les personnages semblent mis en scène par le travail de la lumière, et les lieux deviennent décors. image arrêtée et image en mouvement participent d’un même flux qui veut donner du réel une vision décalée, presque futuriste, rappelant les images post-apocalyptiques propres au genre de la science-fiction. chaque action semble vide de sens et chaque lieu ou personnage abandonné à lui-même.
le regard du spectateur n’est pas guidé vers les détails de l’image mais se laisse happer
par l’univers à la fois hostile et séduisant de cet ensemble d’images.

ludivine sibelle’s work takes root in the film world more than in the photographie. characters seem staged by the use of light, and places become settings. fixed images and moving ones take part to the same flux giving a shifted vision of the reality , almost futuristic, reffering to post-apocalyptic images from the science fiction gender. every action seems meaningless and each character or place seems abandoned to itself. the viewer isn’t guided to image details but gets caught up by the world, both seductive and hostile, from this set of images.

ludivine sibelle est née en 1983, elle vit et travaille à paris.

7 cm / 2-3/4 inches

2012
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interni #3 - italie
interni #2 – italie
interni #1 – italie
paris capitale
grazia
domus - russie
bo bedre - norvege
plaza – suede

web
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( also available in black )

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cushion x 2 / small
40×40 cm / 15,7×15,7 inches

« je suis une humaniste, je veux toucher quelque chose d’universel ».
« je recueille des changements d’états de la matière qui se logent dans notre environnement naturel. »

le fait de recueillir n’est cependant pas le plus important.
faisant fi de tout dispositif contraignant, keen souhlal reste focalisée sur ses œuvres et cherche à les figer dans des états transitoires : le moment où un matériau pourrait se disloquer, s’évaporer, où une image pourrait exister dans une sorte de demi-rêve, ou de demi- éveil.

son objectif, chose de plus en plus rare, est donc un travail finalisé, bien plus qu’un processus : montrer la plasticité et l’éphémérité, la solubilité, de la matière et des images, et tenter d’en capter le magnétisme.

dans ses effets, la photographie et ses sculptures semblent animées d’un léger tremblement, un état d’attente dynamique. c’est un passage doux, un silence. peut-être que les objets et les matériaux n’aspirent, comme les personnages d’un conte, qu’à la venue d’un regard ou d’une main qui viendra leur redonner vie.

a y regarder de plus près dès lors, on devine d’étranges comportements, et on oscille entre apaisement et inquiétude : jeux de transparences et de couleurs, rayons de lumières, personnages, reflets, flashs dissimulés dans l’image, fragilité précieuse, sans que les œuvres n’apparaissent résulter d’un quelconque stratagème. comme si les visions de keen souhlal étaient peuplées de fantômes bienveillants.
comme si chaque élément était par magie habité de sa vie propre.
et c’est cela que nous pouvons appeler le tremblement : la conséquence d’une autonomie donnée aux éléments constitutifs de l’image. autrement dit, charger de conscience et de précaution chaque détail, pris comme tel.
alors il ne faut pas rechercher les origines du travail de keen souhlal dans l’histoire de la sculpture figurative ou dans la photographie plasticienne, mais dans quelque chose de plus intérieur.
le but est de ré-enchanter le décor bien trop statique qui nous entoure, sans partir de repérages, laisser l’opportunité à chaque chose de nous surprendre et de respirer.
le sommeil de la raison n’engendre pas que des monstres.

damien airault

les images de graziella antonini, au-delà de l’état contemplatif qu’elles suscitent, témoignent d’un voyage substantiel, associé à une abolition quasi-totale de l’espace-temps. le spectateur bascule d’une image à l’autre, porté par un désir réflexe de progression. l’artiste propose une structure déliée, compose entre mouvement réel et mouvement fantasmé, entre fait passé, présent, et fait sans existence. l’illusion se sur-imprime à la réalité, les couleurs vibrantes succèdent à l’absence de couleur, l’ordinaire coexiste avec l’étrange et l’exotisme avec le familier. par ces assemblages, le voyage se révèle hallucinatoire et l’objectif se fait levier de l’inconscient. le motif, système omniprésent, semble ronger le sujet, absorber l’objet, révélant à l’image une forme de naturalisme pictural.

graziella antonini est née en italie et a étudié en suisse. elle vit et travaille a paris

sandra aubry et sébastien bourg inventent et construisent des objets qui fonctionnent comme des énigmes visuelles. ces objets se soustraient au réel, sont détournés de leur fonction jusqu’à devenir des signes purs, interrogeant ainsi les mythes contemporains. les artistes semblent donner à voir l’inconscient même de ces objets, analysant leurs rêves comme leurs cauchemars. les imperfections de la matière, l’objet industriel presque rendu à son état primitif, laissant apparaître les traces du faire, trahissent le déséquilibre et la fragilité des faux-semblants. cette apparente fragilité coexiste avec la force et la charge narrative que dégage chacun des objets mis en tension avec l’espace.

sandra aubry and sebastien bourg invent and build objects that work as visual puzzles. these objects are substracted from the reality, diverted from their duties until becoming pure signs, questioning by this way contemporary myths. the artists seem to give the ability to see the unconscious of these objects, analyzing their dreams and nightmares. imperfections of matter, the industrial object, almost returned to its original state, letting appear the traces of doing, betraying the imbalance and the fragility of pretences. this apparent weakness coexists with the strength and the narrative load emerging from each object in tension with the space.

sandra aubry et sebastien bourg sont nés en 1980 et 1977, ils vivent et travaillent à paris

jerome pourcel interroge les notions de reconnaissance et de représentation,
l’ensemble de ses travaux allant graduellement vers l’abstractivité, la conceptualisation de l’image.
dans ses dessins, jerome pourcel reproduit une photographie par mise au carreau, se pliant à une mécanisation du processus de création. le schéma habituel est : je reconnais / je représente/ je reconnais.
ici : je ne reconnais pas / mais je représente / puis je reconnais.
dans ses portraits réalisés au point de croix, la précision photoréaliste de son travail à l’encre laisse place à une pixellisation épaisse, nous éloignant alors de la possibilité d’une reconnaissance.
« faites-le vous-même (autoportrait)» marque une autre étape dans le processus de représentation. chaque pixel est représenté par un chiffre qui correspond à une intensité de gris. alors le portrait, bien qu’existant – et même photoréaliste – reste à l’état de concept.
ou encore : je ne reconnais pas / je représente / je ne reconnais toujours pas.

jerome pourcel explores the ideas of recognition and representation, all his work leading gradually to abstraction and conceptualization of the picture. in his drawings, jerome pourcel reproduces a photograph with the cross-hatching technique, submitting himself to a mechanization of the creative process.
the normal process is usually : i recognize / i represent / i recognize.
here : i do not recognize / but i represent / then i recognize.
in his embroided portraits, the photo-realistic precision of his ink works reveals finallly thick pixelisation, pulling us away from the possibility of recognition.
« do it yourself (selfportrait) »  is a step forward in the representation process : each pixel is represented by a figure which corresponds to a specific intensity of gray.
so the portrait, even though existing as photo-realistic work, remains in the state of concept.
or : i do not recognize / i represent / i still do not recognize.

jérôme pourcel est né en 1974 , il vit et travaille à paris

les dessins de taizo yamamoto sont des natures mortes.
les sujets, sériés, sortis de leur contexte, suggèrent une taxonomie sans fin
dans laquelle chaque dessin/objet conserve sa singularité.
travaillant a partir de photographies, ses images sont soigneusement re-dessinées de manière a mettre en doute le concept de capture instantanée de l’image , le caractère temporel de l’objet.
en isolant le sujet du monde et de toute association, les dessins de taizo yamamoto permettent une confrontation simple et frontale à l’objet.

taizo yamamoto’s drawings are « still lifes » that present subjects removed from their context and in series, suggesting an endless taxonomy in which each drawing represents a singular object. working from photographs, the images are painstakingly re-drawn in a way that questions the instantaneous capture of the image and the temporal nature of the subject. by isolating the subject from the world and associations around it, the drawings allow the objects to be seen directly.
taizo yamamoto was born in vancouver, he lives and works in vancouver.

• the viewers (extrait) installation vidéo, 2012.
• d’après les images de true blood, alan ball

american dream, 2009 - 6’20’‘
d’après les images de tueurs nés, oliver stone (1994), swimming pool, françois ozon (2002), the million dollar hotel, wim wenders (2000), the devil’s reject, rob zombie (2005), le boulevard de la mort, quentin tarantino (2007),le jour des morts vivants, georges a. romero (1985)  // from natural born killer,oliver stone (1994), swimming pool, françois Ozon (2002), the million dollar hotel, wim wenders (2000), the devil’s reject, rob zombie (2005), death proof, quentin tarantino (2007),the day of the dead, georges a. romero (1985)

set indoors, 2010 – 10’ 13’‘
extraits musique « godspeed you black emperor »
d’après les images du remake de la dernière maison sur la gauche, dennis iliadis (2009), esther, jaume collet-serra (2009), jusqu’en enfer, sam raimi (2009), les intrus, charles et thomas guard (2009), jennifer’s body, karyn kusama (2009) // from the remake of the last house on the left, dennis iliadis (2009), orphan, jaume collet-serra (2009), drag me to hell, sam raimi (2009), the uninvited, charles & thomas guard (2009), jennifer’s body, karyn kusama (2009)

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estelle vernay explore et détourne les archétypes du cinéma américain,
en passant par l’incontournable film d’horreur, dans tout ce qu’il a d’anxiogène et d’attirant.
qu’il s’agisse du décor de « massacre à la tronçonneuse »,  ou d’autres films de genre, ces vidéos emmènent le spectateur faire une inquiétante promenade à travers le rêve américain d’où semble sourdre une certaine mélancolie. la tension qui règne dans les images et dans le son reste en éternel suspend, et aucune situation mise en place ne semble trouver de résolution narrative, laissant le spectateur dans un état de contemplation mêlée d’expectative.

estelle vernay expolores and diverts the archetypes of american cinema,  passing though the inevitable horror film, in all of it’s anxiety and beauty.  whether being the texas chainsaw massacre’s set or other films of this genre, these videos take the audience on an eerie walk through the american dream, from which it seems to spring up a certain melancholy.  the tension that reigns in the images and in the sound rest in eternal suspension, and no situation seems to find a narrative solution, leaving the viewer in a contemplative state mixed with expectation.

estelle vernay est née en 1985. elle vit et travaille à toulouse.

faustine ferhmin, dans la série intitulée pachacuti, photographie l’espace.
le terme quechua pachacuti fait signe vers un temps plus vaste que celui de l’histoire humaine :
il signifie «révolution, bouleversement» (cuti) de l’«espace-temps» ou de la «terre» (pacha).
cette notion centrale dans la pensée cosmogonique inca désigne les cycles réguliers
de destruction et de recréation cataclysmiques du monde.
même si les ruines sont présentes sur ces photographies, prises au pérou,
ce n’est pas une approche d’historienne qu’adopte faustine ferhmin :
chaque photographie est plutôt une confrontation avec une
immensité abrupte, dont les spécificités géologiques participent
à une véritable architecture de l’espace.

in the  » pachacuti » series , faustine ferhmin pictures space.
the quechuan term « pachacuti » refers to a notion of time that goes beyond human history:
it means « revolution, upheaval « (cuti) of « space-time » or of « earth » (pacha).
this central notion in cosmogonic inca thought refers to regular cycles
of destruction and cataclysmic re-creation of the world.
although ruins are present on these photographs, which were taken in peru,
faustine has not an historian approach : each photograph is rather
a confrontation with an abrupt immensity, whose geological characteristics
take part in a real space architecture.

faustine ferhmin est née en 1980, elle vit et travaille à paris.

www.faustine-ferhmin.com

les 54 hypoyhèses de la fonte du glacier du saint gothard

www.françoisgenot.com